Jazz no Parque

Música ao pôr-do-Sol

texto Paulo Alexandre Jorge e Nuno Catarino fotografia Pedro Figueiredo e Vítor Medeiros

Com os concertos a realizarem-se, este ano, nos finais de tarde de domingo em vez de nos sábados, o Jazz no Parque cumpriu a sua 24ª edição com três concertos que procuraram colocar o jazz em relação com outras músicas. Pela segunda vez com programação do ensaísta e crítico Rui Eduardo Paes, o público acorreu em grande número às propostas realizadas, enchendo o “court” de ténis de Serralves, no Porto, a 5, 12 e 19 de Julho. Aqui fica o relato – necessariamente subjectivo – do que aconteceu… 

I.Overdrive Trio

O tema “Interstellar Overdrive”, dos Pink Floyd, ganhou um merecido estatuto de culto na história do rock. Registado no primeiro disco dos Floyd, ainda com o fundador Syd Barrett, o tema começa com “riffs” e estrutura assumidamente rock, mas vai evoluindo para uma improvisação aberta, sendo o resultado de um psicadelismo sem limites, que poucas vezes terá cabido no universo da música pop. Nesta canção exclusivamente instrumental era anunciado o caminho exploratório que o famoso grupo havia de seguir nas décadas seguintes. O álbum “The Piper at the Gates of Dawn”, editado em 1967, não foi apenas o primeiro da banda, foi o resultado do talento tresloucado de Barrett.

Foi a partir dessa abertura permitida por “Interstellar Overdrive” que o trio de Philippe Gordiani, Rémi Gaudillat e Bruno Tocanne se juntou. Pegaram nas composições dos Floyd dos começos e foram explorando as melodias de Syd Barrett adaptando-as à instrumentação e aos processos de improvisação oriundos do jazz. O grupo até o nome foi buscar: I.Overdrive Trio.

Entre a guitarra de Gordiani, o trompete de Gaudillat e a bateria de Tocanne foi-se gerando uma onda floydiana expansiva. O trio apresentou-se no parque de ténis de Serralves para a 24ª edição do Jazz no Parque, uma escolha que não deixaria de ser arriscada, dada a natureza rockeira da formação. O risco compensou: naquele final de tarde de um domingo soalheiro o público surgiu em grande número e encheu o recinto – estariam quase 600 pessoas, segundo informou a organização.

A guitarra de Philippe Gordiani era a principal instigadora, lançando as pistas. No trompete, Rémi Gaudillat (pontualmente no fliscórnio) assumia um papel melódico. Na bateria, Bruno Tocanne alimentava a base rítmica. Entre o “riffing” eléctrico da guitarra, o trompete ágil e a bateria assertiva, o público de Serralves viu a essência rock dos temas de Barrett transformados, ganhando a maleabilidade necessária para a improvisação jazz. Terá sido na interpretação do tema que dá nome ao grupo, “Interstellar Overdrive”, que o trio mais se aplicou, numa revisitação altamente enérgica. Outro dos melhores momentos – um de maior tranquilidade melancólica – ocorreu quando o trompetista se serviu da surdina, em parceria com a guitarra acústica de Gordiani.

A escolha deste projecto revelou-se particularmente acertada, numa época em que o rock psicadélico regressou em força e invadiu a cena pop/rock “mainstream” - aos casos de Tame Impala, Temples e derivados, junta-se a vitalidade do actual rock psicadélico instrumental (com exemplos como Black Bombaim, a meio caminho do “stoner rock”) e até há festivais especializados, como o Reverence Valada. (N.C.) 

Alberto Conde Human Evolution Music Project

É fundamental a sensação de transcendência; de ir para lá do objecto, do presente, do fixo, do adquirido, do previsível. Quando escrevo, quando danço, quando toco. A procura de linhas de fuga: os blues - fugir da prisão racial, da escravidão, do sofrimento pela distância forçada da família, dos amigos, do desterro, da cultura própria, da intimidade; o jazz como nos blues -  olhemos a vida de Miles Davis e os seus períodos musicais, atentemos na vida musical de Coltrane: a procura, sempre a procura; o questionamento, sempre o questionamento; a dúvida, sempre a dúvida: porque a verdade é que é impossível ser de outro modo.

Improvisar é procurar. Nenhuma procura acontece sem improvisação: o momento em que damos significado à nossa existência e se descobrem sentidos ao que vamos tocando. O risco, o arriscado, o mortal, o imortal: evito escutar música de quem não arrisca, de quem não morre, de quem não me mata, de quem não me faz ir para lá do que já sei e do que já sou; evito assistir a concertos de quem não me dê um murro no tímpano ou me faça ressuscitar; evito tocar quando não tenho medo, quando sei o que vai acontecer, quando vivo uma situação de conforto em sofá doméstico de acordes perfeitos e progressões estilizadas e “grooves” pré-estabelecidos.

Não compreendi a evolução humana proposta pelo projecto do pianista e compositor galego Alberto Conde apresentado na tarde de 12 de Julho de 2015 na 24ª edição do Jazz no Parque (Alberto Conde Human Evolution Music Project: Alberto Conde no piano, Shakir Khan em sitar, Vikas Tripathi nas tablas, Xosé Miguélez em saxofone tenor/flauta e gaita-de-foles, B.O.U.L.E na electrónica e José Valente como convidado especial na viola de arco). Há a ideia norteadora do projecto e uma formação inusual potenciadora de propostas musicais fora do vulgar, mas pouco mais. Quando falo de evolução humana imagino risco, transgressão, evolução, drama, surpresa, aventura; cortes epistemológicos musicais abruptos, afrontamento a grandes questões musicais, novos paradigmas musicais; andamentos diferentes; dinâmicas arrojadas e procuras de outros sons e sonoridades. Pouco disso aconteceu.

Oferecendo-se no formato clássico de temas musicais, o projecto desenrolou-se durante 1h e 43 minutos de um modo pouco variado, muito planeado / escrito / conduzido, oferecendo poucos momentos de libertação e voo. Previsível na abordagem: formas binárias, compassos simples, acordes base soados ao piano, os sopros, a viola, o sitar e o piano com as linhas melódicas, ficando a tabla com o complemento rítmico e a electrónica com os elementos expressivos de fundo ou transição; apresentação do tema / melodia, momento sequente de improvisação curta e condicionada – na responsabilidade ou dos sopros, ou da viola, ou do piano ou do sitar, momento final de resolução com repetição do tema inicial; progressões harmónicas elementares e estilizadas (da música popular e do jazz, numa tentativa pouco arrojada) e melodias base muito simples.

Assim foi, ligeiro e sem transcendência. Nem o instrumentário original significou novas leituras: a oferta musical indiana de Khan e Tripathi contida numa forma que claramente lhes foi estranha, remetida a mostrar o que instintivamente sempre souberam fazer como músicos de uma cultura de aprendizagem oral, a electrónica presente em papel irrelevante de apontamentos expressivos de pouco significado, a gaita-de-foles num único tema a oferecer o que o saxofone igualmente ofereceu, mas com outra voz, a viola em atitude de música popular. Não houve efectiva mistura de sentimentos, ideias, processos de criação em que, escutando, não se percebesse onde começava a linguagem europeia da música popular e acabava a linguagem oriental, em que, escutando, nos surpreendessem o piano e o saxofone jazz em criatura fenomenalmente nova embrulhada nas novas tecnologias.

Não basta colocar em palco instrumentistas e instrumentos raros para que a música seja rara. Positivo: três solos de Xosé Miguélez no saxofone (a necessitarem de mais tempo para levantar um outro voo; voz escura mas luminosa, ideias fluentes e maduras; fica a curiosidade para o escutar novamente). Francamente negativo: o solo de José Valente no quarto tema da tarde, oferecendo-se em “loops” gravados com pedaleira, sobrepondo ritmos e melodias elementares, solando depois diatonicamente sobre esse tapete – para além de momento longo, que deixou toda a banda parada e à parte, quebrando o desenrolar morno do concerto, não foi um momento musicalmente rico nem inovador. Tantos músicos já o fazem, com uma outra qualidade e invenção; tratou-se de um momento de exibicionismo gratuito. No final, 600 pessoas agradeceram em ovação de pé e em ambiente de festa uma tarde de música da qual dificilmente guardarão memória. (P.A.J.) 

Hugo Carvalhais Quarteto & Drumming GP

Diferente, para melhor, foi a tarde passada na companhia do Hugo Carvalhais Quartet & Drumming GP no passado domingo de 19 de Julho (Carvalhais no contrabaixo, Liudas Mockunas no saxofones soprano e tenor e no clarinete, Fábio Almeida nos saxofones alto e tenor, Mário Costa na bateria e Rui Rodrigues, João Tiago Dias e Nuno Aroso nas lâminas e nas percussões). Algumas perguntas iniciais: que Carvalhais?, depois de ter escutado o excelente disco “Grand Valis” (Clean Feed, 2015), de uma profunda procura que o mergulhou no domínio da improvisação e do experimentalismo radical; que Liudas Mockunas?, saxofonista que me impressionou há uns anos em concerto a que assisti em Copenhaga e que me voltaria a impressionar depois em concerto a que assisti com o quarteto de Carvalhais na Casa da Música (Festival 12 Points); que Drumming?, nesta encomenda de misturas de linguagens “à partida” jazz?  

Cinco longos temas nos foram oferecidos. O primeiro abriu com as lâminas em progressão de acordes, às quais se juntaram o contrabaixo e a bateria reforçando a secção rítmica, seguindo-se-lhes os sopros em interpretação simultânea das primeiras melodias, raras / estranhas / belas, numa dinâmica conjunta da ordem para o caos e para a improvisação aberta da bateria. Houve de seguida um momento de transição para uma segunda grande ideia, passando a bateria e o contrabaixo para a oferta de um “groove” que o sax de Fábio Almeida surpreendeu com um longo e fresco solo (com a sonoridade de um Pharoah Sanders recente), seguindo-se a primeira sólida intervenção de Mockunas no saxofone soprano, mais expressivo que Fábio, mais expansivo.

Regressou a marcação das lâminas, forte, compassada, assegurando campo para o solo da bateria. Seguiu-se um silêncio súbito, do qual surgiram unicamente os dois saxofones em conversa, a sós, numa interpretação em progressão do estilizado para o expressivo, terminando em abordagens rarefeitas de sons! Foi um início de concerto de grande qualidade e neste primeiro tema (que eram dois, segundo explicação de Carvalhais) encontrámos exemplo para toda a sequente proposta musical da tarde: temas longos a partir de ideias boas e bem exploradas em formas musicais complexas, secções que espantavam, arranjos instrumentais arriscados assentes em harmonias / melodias / ritmos surpreendentes, improvisações individuais e colectivas permitidas / potenciadas / desejadas / longas, e um cuidado muito grande com as dinâmicas dos temas, numa respiração comum da banda a um só pulmão, ora crescendo, ora diminuindo de vozes / texturas / intensidades / andamentos.

Em concerto de qualidade, saliente-se: a primeira conversa a solo entre os dois sopros encerrando o tema de abertura acima descrito; o final da primeira ideia do segundo tema assegurado pelos Drumming em decrescendo até pianíssimo e o momento expressivo de transição que se lhe seguiu, interpretado por todo o septeto; o solo de contrabaixo de Hugo Carvalhais abrindo o tema 3 (“Rotor”), a leveza de dedos fortes em melodia “bluesy”, contando uma história, do simples para o complexo, do pouco para o muito, do quase nada para o quase tudo; ainda em “Rotor”, o único momento verdadeiramente free proporcionado em duo pela bateria (fugidia – literalmente fugidia) de Mário Costa e o sax soprano de Liudas – não sendo um baterista free, Mário Costa é, em conjunto com Hugo Carvalhais, o grande responsável por alguns dos períodos mais quentes do concerto, sendo dono de um ataque forte e seco, rápido, capaz de arrastar a intensidade e o andamento para níveis de emoção muito elevados; e o final caótico em improvisação colectiva do tema “Rotor”.

Encerrando, o projecto ofereceu a última música, “Roadway Blues”, a Ornette Coleman  mas penso que foi o tema menos interessante (porque algo previsível no tipo de exploração que realizaram). Anote-se: a boa surpresa que foi escutar Fábio Almeida, saxofonista que desconhecia (de ideias muito maduras, boa técnica, bom som - ainda que demasiado limpo, o grão talvez lhe venha com a experiência e com a idade; surgiu mais consistente no saxofone tenor do que no alto; falando da sua prestação no saxofone alto, absolutamente dispensáveis os efeitos de mesa com que a equipa técnica recheou o seu som). Anote-se ainda que Liudas foi menos expansivo do que anteriormente. E que o Drumming teve uma presença de alto nível, contribuindo significativamente para a cor única e original que o projecto apresentou. Anote-se ainda: confirmada, mais uma vez, a qualidade de Hugo Carvalhais como compositor.  500 pessoas ovacionaram, sentadas, uma música que certamente as fez voar um pouco mais do que no domingo anterior. (P.A.J.)